Europa lernte die japanische Kunst erstmals in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts kennen, als Commodore Matthew Perry nach der Invasion des amerikanischen Geschwaders Gravuren, Paravents, Kimonos, Porzellan und Teezeremonieobjekte aus Japan mitbrachte. Alles Japanische wurde sofort populär, und die unverwechselbare Ästhetik drang in die europäische Kunst ein und beeinflusste den Impressionismus, den Post-Impressionismus und den Jugendstil spürbar.
Die japanische Malerei basiert weitgehend auf dem chinesischen Symbolismus und dem System der Gattungen, das mit dem Buddhismus im 5. bis 6. Jahrhundert vom Festland kam. Es ist jedoch unmöglich, diese beiden Arten von Malerei zu verwechseln, da es den japanischen Meistern gelang, charakteristische, erkennbare Merkmale einzuführen und den Stil ihrer Lehrer erheblich zu verändern.
Nara-Zeit (710-784)
Im Jahr 710 war die Hauptstadt Japans Heijo (Präfektur Nara), nach dem Vorbild von Chang'an in China. Nicht nur der Buddhismus in all seinen Erscheinungsformen, sondern die gesamte chinesische Kultur wurde von den Japanern als Vorbild wahrgenommen, dem es zu folgen galt.
Zu den erhaltenen Gemälden aus dieser Zeit gehören die Emakimono - Schriftrollen mit mehrfarbigen Zeichnungen, die das vergangene und gegenwärtige Leben des Buddha darstellen. Die Emakimono wurden langsam von rechts nach links aufgerollt, wobei die Bilder nacheinander ersetzt wurden, sich aber nie alle gleichzeitig entfalteten. Die Konturen der Protagonisten wurden vor dem Hintergrund einer kaum sichtbaren Landschaft gezeichnet.
Frühe Heian-Zeit (784-897)
Im 8. und 9. Jahrhundert adaptierte Japan erfolgreich chinesische und koreanische Innovationen. Neue Sekten des esoterischen Buddhismus entstanden, und buddhistische Klöster wurden zu Aufbewahrungsorten für umfangreiche Sammlungen von Artefakten.
Die allmähliche Zunahme der Zahl der Götter und Heiligen im Buddhismus stellte die Künstler vor große Schwierigkeiten. In kunstvollen, kartenähnlichen Mandalas wurden die Gottheiten entsprechend einer Hierarchie um einen Buddha in der Mitte angeordnet. Zu dieser Zeit tauchten auch Bilder von Schutzgottheiten auf, die von Flammen umgeben waren, schrecklich aussahen, aber von wohltätiger Natur waren. Sie waren immer in bewegten Posen und mit bedrohlichen Gesichtszügen dargestellt und verteidigten den Glauben gegen mögliche Gefahren.
Mittlere und späte Heian-Zeit (Fujiwara-Periode) (898-1185)
Dies war ein Zeitalter des Luxus, in dem elegante Raffinesse, Trägheit und Emotionalität in den Künsten vorherrschten. Auch die Werke der Künstler nahmen einen weicheren Ton an, der an Zeichnungen auf Stoff erinnerte. Und selbst die furchterregenden Gottheiten - die Verteidiger des Glaubens - wurden weniger furchterregend.
Im Jahr 894 brach Japan seine formellen Beziehungen zu China ab und wurde zu einem geschlossenen Inselstaat. Dies ermutigte die japanischen Kunsthandwerker, sich auf ihre eigene Kultur zu besinnen und einen neuen, reineren japanischen Stil in Bezug auf Technik, Komposition und Themen zu entwickeln.
Der Stil der frühen Schriftrollen wurde von einfachen Tuschezeichnungen auf den Seiten buddhistischer Notizbücher abgeleitet. Diese Zeichnungen karikierten menschliches Verhalten anhand von Tierbildern: zum Beispiel ein Wettstreit zwischen Hasen, Affen und Fröschen oder ein Affe in Mönchskleidung, der einen schmollenden Frosch anbetet.
Kamakura-Zeit (1185-1392)
Da die Tradition der Verehrung von Lehrern im damals populären Zen-Buddhismus durchaus akzeptabel war und das Porträt selbst nicht Gegenstand der Verehrung sein konnte, entwickelte sich dieses Genre in der religiösen Malerei am meisten. Eines der beliebtesten Motive war Raigo, das den himmlischen Buddha Amida darstellt, der von einer Wolke herabsteigt, um die Seele des Gläubigen zu retten und sie nach dem Tod ins Paradies zu bringen. Die Farben in solchen Gemälden wurden oft mit aufgetragenem Gold verstärkt, und gewellte Linien, wirbelnde Wolken und flatternde Umhänge verliehen Dynamik und ein Gefühl der Bewegung.
Die weltliche Malerei wurde militanter und weniger elegant. Die Künstler der Kamakura-Ära verwendeten leuchtende Farben und kräftige Pinselstriche, um Schlachten zwischen verfeindeten Clans, brennende Paläste und verängstigt fliehende Menschen darzustellen.
Muromachi oder Ashikaga-Periode (1392-1568)
Im Zuge der kriegerischen Auseinandersetzungen zwischen den Clans wurden viele Tempel - Aufbewahrungsorte japanischer Kunst - mitsamt den darin enthaltenen Schätzen verbrannt. Das Land wurde brutal verwüstet, doch die Ashikaga-Shogune förderten die japanische Kunst, insbesondere im 15. und 16. Jahrhundert, als die Malerei eine Blütezeit erlebte.
Das bedeutendste Kunstphänomen dieser Zeit war Sumi-e, einfarbige Tuschemalereien, die von chinesischen Vorbildern aus der Song- und Yuan-Dynastie beeinflusst waren. Sumi-e stand ganz im Einklang mit der Philosophie des Zen-Buddhismus.
Die Künstler malten Landschaften, Vögel, Blumen, Heilige und Weise mit leichten und fließenden Pinselstrichen. Die japanische Malerei dieser Zeit zeichnet sich durch eine sparsame Linienführung aus: Der Künstler zeigt nur das Wesentliche des Motivs, so dass die Phantasie des Betrachters es mit Details füllen kann. Die sparsame, aber kühne Verwendung von grauer und glänzender schwarzer Tinte und die asymmetrische Komposition, bei der die unbemalten Teile des Papiers eine wichtige Rolle spielen, kennzeichnen den Stil des frühen Sumi-e.
Als einer der berühmtesten Vertreter dieser Bewegung gilt Sesshu, ein Zen-Priester, dessen langes und fruchtbares Leben ihm bleibende Verehrung sichert. Er war der erste, der die Methode des Haboku (schnelle Tusche) erfand, die die Tradition der monochromen Malerei fast bis zur Abstraktion führte.
Dies war auch der Beginn einer Dynastie von Malern der Familie Kano, die ihren eigenen erkennbaren Stil in der Tradition des Sumi-e entwickelte. Mit Unterstützung des Shogunats wurde Kano im Wesentlichen zur offiziellen Schule der japanischen Malerei und blühte bis zum Ende des 19 Jh.
Eine zweite wichtige Bewegung in der japanischen Malerei, Yamato-e, lebte in den Werken der Tosa-Schule weiter. Die beiden Schulen, Kano und Tosa, waren ursprünglich eng miteinander verbunden. So verheiratete beispielsweise Motonobu Kano, einer der bedeutendsten Künstler dieser Zeit, nicht nur seine Tochter mit einem berühmten Tosa-Künstler, sondern malte auch in dessen Stil.
Momoyama-Periode (1568-1615)
In dieser Zeit entstanden bemerkenswerte Paravents und bewegliche Tafeln in leuchtendem Karmesin, Smaragd, Grün, Purpur und Blau. Diese überschwänglichen Farben und dekorativen Formen, oft auf Gold- oder Silbergrund, waren sehr beliebt und ihre Schöpfer wurden als "große Dekorateure" bezeichnet. Dank des raffinierten japanischen Geschmacks wurde der prächtige Momoyama-Stil nicht vulgär, sondern bewahrte seine Eleganz.
Edo oder Tokugawa-Periode (1615-1867)
Nach langen und zermürbenden Kriegen war Japan geeint. Die friedliche Herrschaft der Tokugawa dauerte 15 Generationen lang und endete erst im 19. Jahrhundert. Es war eine lange Zeit der Politik hinter verschlossenen Türen. Ein Dekret von 1640 verbot Ausländern die Einreise nach Japan, und Japaner durften nicht ins Ausland reisen. Daher konzentrierte sich die japanische Kunst wieder auf die nationalen Traditionen und erhielt einen neuen Impuls zur Entwicklung einer Identität.
Die Kunst der frühen Edo-Periode führt den Momoyama-Stil teilweise fort und entwickelt ihn weiter, indem sie seine Tendenzen zu Luxus und Pracht, skurrilen Bildern und Polychromie verstärkt. In der japanischen Kunst gibt es nichts vergleichbares in Sachen Extravaganz, Farbenreichtum und der Darstellung eines luxuriösen Lebensstils.
Unter den Vertretern der dekorativen Schule, die in der Momoyama- und Edo-Zeit lebten und arbeiteten, ragen Honnami Koetsu und Nonomura Sotatsu besonders heraus. Koetsu war für die Schönheit seiner Kalligraphie bekannt. Zusammen mit Sotatsu schufen sie die damals in Mode gekommenen Schriftrollen-Gedichte. In dieser Kombination aus Literatur, Kalligraphie und Malerei dienten die Bilder nicht nur zur Illustration, sondern sollten eine dem Inhalt entsprechende Stimmung erzeugen.
Neben dem polychromen Dekorationsstil waren auch die traditionellen Tuschezeichnungen der Kano-Schule weiterhin beliebt. Im Jahr 1622 wurde Tanyu Kano zum Hofmaler des Shogun ernannt und nach Edo berufen. Dieses Ereignis brachte die Kano-Familie wieder ins Rampenlicht und machte die Werke der Edo-Periode zu den bedeutendsten der Kano-Malerei. In der Tradition dieser Schule fügte Tanyu Kraft und Schlichtheit hinzu, die sich in strengen, unterbrochenen Linien und der kunstvollen Anordnung der Kompositionselemente auf einer großen, freien Fläche ausdrücken.
Im späten 18. Jahrhundert entstand die Maruyama-Schule des Realismus, deren Hauptmerkmal das Interesse an der Natur war. Maruyama Okyo, der Begründer dieser neuen Schule, war zunächst ein Bauer, wurde dann Priester und schließlich Maler. Er lernte die westliche Technik des perspektivischen Zeichnens anhand importierter holländischer Zeichnungen, die er manchmal einfach kopierte. Okyo fertigte viele Arbeiten der Natur an und seine wissenschaftlichen Beobachtungen dienten als Grundlage für die Naturwahrnehmung, auf die sich die Maruyama-Schule stützte.
Neben dem Interesse am Naturalismus kam es im 18. Jahrhundert zu einem erneuten starken Einfluss der chinesischen Kunsttradition und zur Entstehung der Budinga-Schule (Kunst der Gebildeten). Einer der einflussreichsten Meister, der in diesem aufkommenden Stil arbeitete, war Ikeno Taiga. Er zeichnete sich durch dicke Konturlinien aus, die mit leichten, hauchdünnen Strichen aus hellen Tönen und Tusche gefüllt waren. Er malte auch mit breiten, lockeren Pinselstrichen aus schwarzer Tusche und stellte Bambusstämme dar, die sich in Wind und Regen bogen. Mit kurzen, geschwungenen Linien erzielte er einen Effekt, der an Zeichnungen erinnert, die neblige Berge über einem von Wald umgebenen See darstellen.
Im 17. Jahrhundert kam eine weitere bemerkenswerte Entwicklung in der japanischen Malerei auf: der Ukiyo-e-Holzschnitt (Bilder der sich verändernden Welt). Die Drucke zeigten Szenen aus Theaterdramen, schöne Kurtisanen, berühmte Schauspieler, Sumo-Ringer und häusliche Skizzen. Die frühen Zeichnungen wurden in Schwarz mit starken, rhythmischen Wellenlinien ausgeführt und hatten ein einfaches Design. Manchmal wurden sie von Hand in Orange und Tan-e (leuchtend rote Bilder) gemalt, mit Markierungen in Senfgelb und Grün. Einige Künstler verwendeten handgemalte Urushu-e (Lackmalerei), bei denen dunklere Bereiche durch die Zugabe von Leim lebendiger gestaltet wurden.
Die frühen mehrfarbigen Holzschnitte, die zwischen 1741 und 1742 erschienen, wurden Benizuri-e (Karminrot-Stiche) genannt und verwendeten in der Regel drei Farben - Rosa-Rot, Grün und Gelb. Die wirklich mehrfarbigen Zeichnungen, die Nishiki-e (Brokatbilder), erschienen 1765. Die Ära der polychromen Zeichnungen begann mit den Werken von Suzuki Harunobu, die einen großen Erfolg beim Publikum hatten. Sie wurden in sanften, fast neutralen Farben ausgeführt und zeigten elegante Damen mit galanten Liebhabern und berühmten Theaterschauspielern.
In den ersten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts erreichte das Ukiyo-e-Genre seine Reife und begann zu verfallen. Katsushika Hokusai und Ando Hiroshige waren die größten Meister dieser Epoche, deren Werke den Niedergang der Druckgrafik des 19. Jahrhunderts und ihre Wiederbelebung zu Beginn des 20. Jahrhunderts überbrücken. Beide porträtierten Landschaften und Ereignisse des modernen Lebens. Ihre Beherrschung der Drucktechniken ermöglichte es ihnen, in ihren Zeichnungen zarte, feine Linien und die kleinsten Schattierungen der untergehenden Sonne oder des aufsteigenden Nebels in der Morgendämmerung wiederzugeben.
Die Meiji Restauration und die moderne Zeit
In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts öffnete sich Japan erneut für Ausländer und begann, alles Westliche, einschließlich künstlerischer Stile und Techniken, aktiv zu übernehmen. Es folgte eine Zeit der Assimilation, in der neue westliche Einflüsse mit einer Rückbesinnung auf die eigene Tradition kombiniert wurden.
Die bekanntesten Künstler dieser Periode sind Kano Hogai, Shimomura Kanzan, Takeuchi Seiho und Tomioka Tessai. Die ersten drei arbeiteten im traditionellen japanischen Stil, obwohl sie sich um Originalität in Stimmung und Technik bemühten. Nur Tomioka Tessai allein kam der Entwicklung eines neuen Stils nahe. Seine energiegeladenen Gemälde basieren auf einer Kombination aus groben geschwungenen Linien, schwarzen Tuscheflecken und fein gemalten Farbflächen.
Heutzutage arbeiten viele Künstler mit traditioneller Tusche und verwenden manchmal Kalligraphie als Ausgangsmotiv. Es sind lebhafte abstrakte Gemälde in glänzendem Schwarz mit Grautönen entstanden.
